martes, 10 de septiembre de 2013
Grandes grabadores de la historia: Fernando López Anaya
Hoy en Tarlatana - Obra Gráfica........Fernando López Anaya
Nació el 04/10/1903. Comenzó como pintor autodidacta y recién a los 30 años ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y luego en la Escuela Nacional de Bellas Artes donde se inició en dibujo y grabado. En 1939 expuso Composición en el VII Salón de Arte de La Plata. En 1940 inició una etapa neorromántica, que se caracterizó por el empleo de elementos insólitos y fantásticos, unidos a cierta intención simbólica. En 1948 crea Onírica (Premio del V Salón de Otoño), en 1952 La mujer del gallo y en 1953 Tango (Gran Premio del VI Salón Nacional de Grabado y Dibujo). Expuso en la Galería Plástica, Galería Pizarro y Lirolay. Como docente trabajó, desde 1945, en varias escuelas de arte, colaboró en la reorganización de la enseñanza artística y fue Rector de la Escuela Superior Ernesto de la Cárcova. Miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1981 publicó El papel hecho a mano. Falleció el 23/03/1987.
“Baile en el patio”
Nació el 04/10/1903. Comenzó como pintor autodidacta y recién a los 30 años ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y luego en la Escuela Nacional de Bellas Artes donde se inició en dibujo y grabado. En 1939 expuso Composición en el VII Salón de Arte de La Plata. En 1940 inició una etapa neorromántica, que se caracterizó por el empleo de elementos insólitos y fantásticos, unidos a cierta intención simbólica. En 1948 crea Onírica (Premio del V Salón de Otoño), en 1952 La mujer del gallo y en 1953 Tango (Gran Premio del VI Salón Nacional de Grabado y Dibujo). Expuso en la Galería Plástica, Galería Pizarro y Lirolay. Como docente trabajó, desde 1945, en varias escuelas de arte, colaboró en la reorganización de la enseñanza artística y fue Rector de la Escuela Superior Ernesto de la Cárcova. Miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1981 publicó El papel hecho a mano. Falleció el 23/03/1987.
“Baile en el patio”
sábado, 7 de septiembre de 2013
Hoy en Tarlatana-Obra Gráfica: Artistas y el recurso del Grabado en la historia del Arte: Aída Carballo
http://artistasargentinas-natividadmaron.blogspot.com.ar/2012/01/aida-carballo-el-grabado-como-expresion.html
Eximia dibujante y grabadora,
Aída Carballo (1916-1985) se ha ganado un lugar en la historia del arte
en nuestro país por su talento y audacia. Su historia se entrecruzó con
la técnica para sublimar su interioridad, dando a luz obras que expresan
un posicionamiento puntual en el mundo.
Entrar en el mundo de Aída
Carballo es como sumergirse en un abismo, sabiendo que uno resurgirá
enriquecido por la experiencia. Sin miedos ni preconceptos, es
indispensable adentrarse en él para poder conocerla a través de su obra.
Porque la misma habla mucho de Aída, de su vida, de sus experiencias,
de sus pérdidas.
| Autorretrato con autobiografía, 1973 Aguafuerte y grabado a la goma 8/15 - 50 x 65 |
Destacada
grabadora, sus obras se plasmaron mediante un abanico de recursos,
partiendo del dibujo hacia las acuarelas, óleos, aguafuertes y
litografías. Tanto en blanco y negro como en color logró expresarse con
la misma delicadeza y sutileza de trazos en las figuras, en los fondos,
en los detalles. Alumna de Pío Collivadino, influenciada por el
Surrealismo y la Metafísica de De Chirico a través de Spilimbergo, fue
creando su propio estilo característico. Sus discípulos la recuerdan
como una generosa maestra, siempre dispuesta a enseñar hasta los mayores
secretos de la técnica.
| Mujeres comiendo tallarines, 1959 Aguafuerte y aguatinta, prueba de artista 58 x 40 |
El grabado en sí es una técnica
especial. No todos poseen la destreza necesaria y el talento para
dibujar sobre la piedra o la madera. Carballo logró dominar este medio
expresivo, en sus variantes, de una manera muy propia y femenina. Hizo
de él el vehículo de exteriorización de su interioridad. Las temáticas
que tocó salieron de lo común. Se atrevió a reflejar temas tabúes como
la locura y la sexualidad con una naturalidad absoluta, siendo
censurada por esto mismo.
Mucho de sublimación hay en su
obra. Sus series, sobre todo, muestran la búsqueda psíquica de caminos
para hacer visibles sus experiencias, sus deseos, sus dolores. La
locura, el amor, lo inconsciente y el mundo onírico, el exterior y la
vida cotidiana arriba del colectivo, la infancia, son los grandes temas
mediante de los cuales logró exorcizar su interior.
 | |
| De la Serie "Los Locos" |
La serie “Los Locos” (una
carpeta de cinco litografías, de 1963) marca el comienzo de este
tránsito por su interior para “hacerlo salir”, transformado en obra. El
tema es la locura: Carballo, luego de la muerte de su padre, fue
internada en el Hospital Moyano. Allí, como no podía hablar, dibujó.
Bocetó lo que observaba, lo que la rodeaba: la vida en el psiquiátrico,
los internos, lo cotidiano del devenir dentro de dicho ámbito
particular. El arte fue la vía de reconexión con el mundo exterior,
fuera de su propia mente, y le permitió recuperar la seguridad y superar
el trauma vivido. Son obras donde se individualiza a las figura, se les
otorga rasgos propios (algo continuo en su estilo), se busca el reflejo
de la psiquis y la personalidad. El entorno es importante y detallado.
La insania es reflejada de manera natural, sin tapujos ni preconceptos,
sin temor ni pruritos.
Su segunda serie, “Los Amantes”
(carpeta con seis litografías, de 1965), que fue presentada acompañada
por un poema de Macedonio Fernández, fue censurada. La moral porteña de
la época se vio shockeada frente a lo que constituyen una serie de
imágenes sobre el amor, la pasión, la dulzura. El sexo en sí no es lo
importante, sino la relación establecida entre las parejas, el
entrelazamiento de los cuerpos en un diálogo íntimo y privado. El
entorno contextualiza las escenas en distintos ámbitos, trabajados con
la misma delicadeza que las figuras, incluso con mayor detalle y
observación. El amor, tema universal y que a todos nos toca, es
representando en distintas facetas, en distintos lugares, con diferente
intensidades, siempre siguiendo una línea dúctil en el dibujo,
detallista, y una visión muy femenina del sentimiento.
 | |
| De la Serie "Los Amantes" |
En “Los Levitantes” (1967)
conjugó múltiples técnicas como el grabado, la acuarela, el dibujo y el
óleo, para producir imágenes cercanas al mundo inconsciente, de los
sueños. El carácter onírico del entorno se aúna a las figuras que se
elevan, flotan carentes de gravedad, en un ámbito surreal. Se ha dicho
que justamente la influencia puntual de esta serie es el Surrealismo,
pero la serie no sigue las pautas que dicho movimiento precognizó, salvo
en la temática. Quizás tenga que ver más con una liberación propia de
Carballo, un ahondar en ciertos aspectos psíquicos y anímicos para
adentrarse en su interior y encontrar cierta paz en la relajación de la
represión. Permitirse ser sin censura, sin estructuras, como los
personajes que levitan.
 |
| Arriba prontito, todos al reino de los cielos, 1965 Grafito y acuarela s/papel 50 x 62 |
Aída posa su mirada en el
exterior para observar a la gente atentamente, a la muchedumbre que
viaja en los “Colectivos” (1968). El amontonamiento no es indicio de
despersonalización. Por el contrario, cada uno de los viajantes está
individualizado, con sus rasgos diferenciados, partiendo para la
representación de la concepción de que los seres son un espectáculo
plástico y psicológico, como alguna vez dijo la artista. Nuevamente se
detiene, como a lo largo de su producción, a “mirar al otro”, a buscar
en él aquello que lo hace único. Y aquí lo integra en la sociedad, en lo
cotidiano.
La serie “Muñecas” (1975) es
susceptible de ser interpretada como la expresión de la pérdida de la
inocencia en la infancia. Carballo perdió a su madre de pequeña: quizás
estas acuarelas y xilografías fueron la manera de sublimar dicho dolor,
marcando el sufrimiento padecido por la situación a través de estos
juguetes tan femeninos pero tan perturbadores a la vez. De nuevo se nos
presenta una forma de sublimación, de catarsis artística. Las muñecas
malas, siniestras, desmembradas, no son simples juguetes para las niñas.
Son representadas con un estilo, si bien muy femenino y delicado,
perturbador, que remite a algo más allá de lo meramente icónico.
 | |
| El personaje de la colina, 1952 Grafito y lápices de cera s/cartón 62 x 47 |
Algo relevante y que caracteriza
la producción de Carballo es la introducción de la palabra dentro de
las obras. Las frases se funden con las imágenes, teniendo el mismo peso
iconográfico y sumando significado a lo representado. Un ejemplo
específico es la el “Autorretrato con autobiografía” (aguafuerte y
grabado sobre goma, 1973), donde la el rostro de perfil de la artista
resalta sobre el fondo de su propia historia escrita de su puño y letra.
Este recurso tendría una función de “doble narración”: la icónica y la
escrita, la figura y la palabra. A su vez, el retrato y el autorretrato
fueron temas muy empleados, siempre buscando la individualización,
remarcando las miradas (pensando en la idea de que los ojos son el
“espejo del alma”), siendo intimistas y de una gran profundidad.
Otras temáticas representadas
fueron los gatos, las calles de Buenos Aires, los interiores de los
hogares, las terrazas, siempre siguiendo el mismo tratamiento en cuanto a
la factura y delicadeza y detallismo en el dibujo. Siempre
introduciéndonos en parte de su historia o interesándose en la historia
de los demás, haciendo “salir afuera” aquello interior o mostrando lo
exterior desde una visión interiorizada.
Se dedicó también a la cerámica e
incursionó en la abstracción en varias obras no figurativas,
experimentales. Ilustró poemas y cuentos, y trabajó para el diario La
Nación entre 1974 y 1984.
El legado que perdura luego de
su partida nos deja como espectadores de una serie de obras que oscilan
entre lo visible y lo invisible a los ojos: la interioridad propia de la
artista, su alma abierta en las obras, y su búsqueda en el exterior de
los detalles que hacen a cada sujeto un ser único e irrepetible, con un
mundo interno propio y susceptible a ser descubierto con sólo mirar
atentamente.
Grandes grabadores de la historia: Hoy.....Giovanni Battista Piranesi
Uno
de los principales dibujantes arquitectónicos de todos los tiempos y,
sin duda, el grabador de cobre más famoso del siglo xviii, Giovanni
Battista Piranesi (1720-1778) es conocido hoy en día por sus series de
originales aguafuertes de prisiones laberínticas y megalómanas, sus
Carceri d’Invenzione. En su propia época fue más célebre
por sus Vedute, 137 aguafuertes de la Roma antigua y contemporánea. Tal
renombre alcanzaron aquellos trabajos en claroscuro, imbuidos de la
admiración romántica de Piranesi por las ruinas arqueológicas, que
conformaron la imagen de Roma de generaciones posteriores. Incluso
podría decirse que Piranesi dio forma a toda una rama de la arquitectura
contemporánea, así como a la visualización más amplia de la Antigüedad
clásica. En nuestros días ha ejercido una influencia directa en
escritores como Borges y Kafka, y en directores comoTerry Gilliam y
Peter Greenaway. Cualquiera que contemple los aguafuertes de Piranesi se
enfrentará a la pesadilla existencial de la realidad humana y sus
misterios infinitos.
(fuente: http://www.taschen.com/)
(fuente: sala17.wordpress.com)
(fuente: http://www.taschen.com/)
(fuente: sala17.wordpress.com)
Hoy en Tarlatana-Obra Gráfica: Artistas y el recurso del Grabado en la historia del Arte: Giorgio De Chirico
Giorgio de Chirico (Volos, Grecia; 10 de julio
de 1888 – Roma; 20 de noviembre de 1978) pintor italiano nacido en
Grecia de padres italianos.
Reconocido entre otras cosas por haber fundado el movimiento artístico Scuola Metafisica.
Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el período metafísico. Se lo considera una de las mayores influencias sobre el movimiento surrealista.
Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y le ayudó a presentarlo al grupo que más tarde se dedicaría al surrealismo. Yves Tanguy escribió en 1922, que quedó tan impresionado al ver una obra de De Chirico en un aparador de una galería, que decidió en ese momento convertirse en artista, aún sin haber tocado un pincel en su vida. Otros artistas que han reconocido la influencia que han recibido de Giorgio de Chirico son Max Ernst, Salvador Dalí y René Magritte.
Se valió de diferentes disciplinas para expresar su arte, entre otras el Grabado, encontramos una gran variedad de aguafuertes iluminadas y litografías dentro de su obra de la etapa metafísica.
La imagen corresponde a una litografía: Gli Archeologi
1972.
Reconocido entre otras cosas por haber fundado el movimiento artístico Scuola Metafisica.
Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el período metafísico. Se lo considera una de las mayores influencias sobre el movimiento surrealista.
Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y le ayudó a presentarlo al grupo que más tarde se dedicaría al surrealismo. Yves Tanguy escribió en 1922, que quedó tan impresionado al ver una obra de De Chirico en un aparador de una galería, que decidió en ese momento convertirse en artista, aún sin haber tocado un pincel en su vida. Otros artistas que han reconocido la influencia que han recibido de Giorgio de Chirico son Max Ernst, Salvador Dalí y René Magritte.
Se valió de diferentes disciplinas para expresar su arte, entre otras el Grabado, encontramos una gran variedad de aguafuertes iluminadas y litografías dentro de su obra de la etapa metafísica.
La imagen corresponde a una litografía: Gli Archeologi
1972.
martes, 3 de septiembre de 2013
Grabadores en la historia del Arte: Eduardo Audivert
Nacido en Buenos Aires el 2 de agosto de 1931,
Eduardo Audivert, hijo de Pompeyo Audivert, se destacó, no sólo por la
dramática sutileza de su imagen, sino
también por una técnica sorprendente, a través de la cual podría
identificárselo con los maestros Europeos herederos de la rica tradición
alemana de los siglos XV y XVI.
Su notable dominio del grabado en metal provino de su formación artística -estudió pintura con Demetrio Urruchua, y con Spilimbergo-, y de su labor artesanal cotidiana.Se formó en un hogar en el cual arte - particularmente el grabado- formaban parte de la atmósfera íntima de cada día.
Su preocupación por el aspecto técnico se encontró ligada íntimamente con la naturaleza de su lenguaje dotado de una limpieza que torna directa y clara la lectura del mensaje.
Su labor se escalonó en etapas bien definidas, en las cuales desarrolla un tema a lo largo de múltiples variables.
A lo largo de su carrera expuso en nuestro país y en el exterior: entre 1992 y 1994 sus obras se presentaron en las principales ciudades de los Estados Unidos y en 1995 se mostraron en Suecia y Noruega. Recibió importantes reconocimientos, como el primer premio de la Bienal Latinoamericana de Grabado (1979) y la máxima distinción de un concurso de Murales para la ciudad (1983).Asimismo tuvo una reconocida gestión durante diez años al frente de la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova.
Falleció el 22 de setiembre de 1998
(Fuentehttp://www.fundacionkonex.org/, www.arte2011.com.ar)
“El fin de esta aventura”
Su notable dominio del grabado en metal provino de su formación artística -estudió pintura con Demetrio Urruchua, y con Spilimbergo-, y de su labor artesanal cotidiana.Se formó en un hogar en el cual arte - particularmente el grabado- formaban parte de la atmósfera íntima de cada día.
Su preocupación por el aspecto técnico se encontró ligada íntimamente con la naturaleza de su lenguaje dotado de una limpieza que torna directa y clara la lectura del mensaje.
Su labor se escalonó en etapas bien definidas, en las cuales desarrolla un tema a lo largo de múltiples variables.
A lo largo de su carrera expuso en nuestro país y en el exterior: entre 1992 y 1994 sus obras se presentaron en las principales ciudades de los Estados Unidos y en 1995 se mostraron en Suecia y Noruega. Recibió importantes reconocimientos, como el primer premio de la Bienal Latinoamericana de Grabado (1979) y la máxima distinción de un concurso de Murales para la ciudad (1983).Asimismo tuvo una reconocida gestión durante diez años al frente de la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova.
Falleció el 22 de setiembre de 1998
(Fuentehttp://www.fundacionkonex.org/, www.arte2011.com.ar)
“El fin de esta aventura”
Tarlatana -Obra Gráfica recomienda: "Muestras alrededor del mundo"...
Arte Gráfico en el British Museum. El museo
ha adquirido cerca de 11,000 grabados y dibujos en los últimos 5 años.
La muestra presenta parte de esa colección...
http://www.britishmuseum.org/whats_on/exhibitions/arcimboldo_to_kitaj.aspx
http://www.britishmuseum.org/whats_on/exhibitions/arcimboldo_to_kitaj.aspx
Grabadores en la historia del Arte: Facio Hebecquer, del Grupo Boedo y los Artistas del Pueblo..
. http://www.fundacionosde.com.ar/backend/upload/files/img_$133.pdf
María Pumar en el Salón Bienal Nacional de Pintura y Grabado Quilmes 2013
Tarlatana -Obra Gráfica, los invita a visitar
la Bienal en la que expone María Pumar su obra: "Ramona y su nueva amiga
la Koka" de la serie "Homenaje a Berni"
Desde el taller: gofrados
En el Taller de... María Pumar, realizando Gofrados:
La obtención de una impresión en relieve o en hueco sin color sobre papel se consigue empleando diferentes técnicas de gofrado (del fr. goufrer). Parte de la confección de matrices en relieve o en hueco, tanto con técnicas tradicionales como puede ser aguafuerte en relieve, como con técnicas aditivas experimentales o técnicas más contemporáneas como el solar plate o plancha solar...
En todos los casos se estampa sin tinta sobre papel blanco o similar y la imagen se construye a partir de la incidencia de la luz sobre el papel gofrado...
La obtención de una impresión en relieve o en hueco sin color sobre papel se consigue empleando diferentes técnicas de gofrado (del fr. goufrer). Parte de la confección de matrices en relieve o en hueco, tanto con técnicas tradicionales como puede ser aguafuerte en relieve, como con técnicas aditivas experimentales o técnicas más contemporáneas como el solar plate o plancha solar...
En todos los casos se estampa sin tinta sobre papel blanco o similar y la imagen se construye a partir de la incidencia de la luz sobre el papel gofrado...
Desde el taller: Manera negra o mezzotinta
Esta es una técnica realmente trabajosa pero que da muchas satisfacciones.
Se parte de una base negra, en la cual se van generando los grises hasta el blanco.
Cómo se logra la base negra? Realizando aguatinta sobre aguatinta o utilizando una herramienta llamada graneador.
Mi sistema es el primero, por consiguiente, para conseguir una base bien negra, realizo aproximadamente 8 aguatintas.
Luego de conseguida ésta, llega el momento de bruñir para conseguir variantes de valores con matices y degradados.
Este es un bruñidor. Lo que hacemos con él es “aplastar” las zonas de aguatinta donde queremos los grises y blancos.
"La tímida" manera negra de Blanca Saccomano Para Tarlatana - Obra Gráfica
domingo, 1 de septiembre de 2013
¿Hay que comprar Obra?
por Adrián Gualdoni Basualdo para La Nación Revista
-18 de agosto de 2013 - en su artículo nominado ¿En qué se ha convertido el arte?
-18 de agosto de 2013 - en su artículo nominado ¿En qué se ha convertido el arte?
El arte Grabado en la historia de la Ilustración y la Caricatura francesa
http://www.museosivori.org.ar/pdf/130713_caricatura.pdf
Eduardo Chillida y su arte grabado.
Hoy en Tarlatana Obra Gráfica...
Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002) y su arte grabado.
http://www.youtube.com/watch?v=YmlGdGV47Zo
http://www.museochillidaleku.com/2000-2010/content/cast.html
Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002) y su arte grabado.
http://www.youtube.com/watch?v=YmlGdGV47Zo
http://www.museochillidaleku.com/2000-2010/content/cast.html
El Valor de la Obra Gráfica Original
“La Obra Gráfica Original es reconocida universalmente como una de las expresiones más importantes de las Artes Plásticas junto a la pintura, el dibujo, la escultura y otras. Es por esto que los grandes museos de todo el mundo cuentan con valiosas Obras Gráficas en sus colecciones. El Museo Metropolitano de Nueva York posee más de 1.5 millones de obras, siendo una de las colecciones más extensas del planeta. El Museo de Arte Moderno (MoMA) cuenta con más de 50.000 obras que abarcan las técnicas, artistas y movimientos desde 1880 hasta nuestros días.
El placer estético que proporciona una Obra Gráfica Original es difícil de comparar. La firmeza de la xilografía, el aterciopelado de la mezzotinta, las texturas del grabado, la delicadeza de la litografía en piedra, la increíble gama de tonos del giclée, cada una de las técnicas tiene su particular forma de cautivar y tender el puente entre artista y espectador.
La historia de la Obra Gráfica tiene una tradición de más de 500 años y ha permitido a los artistas experimentar con nuevas técnicas, soportes (papeles), pigmentos, en un proceso constante de creación y descubrimiento.
También le ha permitido a los artistas difundir su arte y ampliar su rango de acción. Tal fue el caso en el renacimiento, cuando la técnica del grabado sirvió para que tanto el público como otros artistas, conocieran el trabajo de los Grandes Maestros.
El trabajo sobre el papel se alimenta de las innovaciones de los artistas, que generalmente toman alguna técnica ya existente y la modifican para poder crear arte. El inventor de la litografía, creó esa técnica para imprimir partituras de música. Pero al poco tiempo el potencial de este método fue descubierto y desarrollado por Delacroix, Goya y Daumier. La serigrafía de arte nació del "Silkscreen", que era y es utilizado en la industria textil y en la publicidad.
El método utilizado por el artista es sólo un aspecto a considerar, y aunque la dificultad de una técnica o su propiedad visual puede agregar valor a la obra, es el trabajo creativo lo que diferencia una pieza cualquiera de una obra maestra.
Una buena Obra Gráfica Original se valoriza con el tiempo. Esto se demuestra por los altos precios que llegan a alcanzar en las famosas casas de subastas. Hasta ahora, el récord para una Obra Gráfica Original de la historia, corresponde a un grabado de Pablo Picasso, "Le repas frugal", en edición de 250, que fue vendido por 1,18 millones de dólares en la casa de subastas "Christies", en Londres. La Obra Gráfica tampoco escapa del interés de los "amigos de lo ajeno", quien también saben del valor de estas piezas. En el año 2005, en la Galería de Arte de "Desert Palm" en California, los ladrones se llevaron una litografía de Chagall y un linóleo de Picasso, "La tribu de Dan" y "Femme regardant" valoradas respectivamente en 35.000 y 53.000 dólares cada una….”
(Fuente: http://
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